Sorti en 2006, Mission: Impossible III est un tournant pour la franchise, marquant la rencontre entre un blockbuster d’espionnage et le style narratif de l’équipe créative de l’époque : J.J. Abrams, Alex Kurtzman et Roberto Orci. Après un deuxième volet trop centré sur le style de John Woo, ce troisième épisode injecte une densité, un rythme et une complexité inédites. Il est révélateur du mélange entre la grande production hollywoodienne et les codes des séries à suspense de l’époque. Ce film est un retour aux sources, tout en explorant de nouvelles pistes. Tom Cruise, également producteur, a voulu donner à Ethan Hunt une nouvelle dimension, le plongeant dans la vulnérabilité et l’émotion. Loin du héros invincible, Ethan doit désormais affronter sa plus grande peur : voir sa vie privée contaminée par son métier. C’est ce conflit intime, si caractéristique du style d’Abrams, qui devient la clé de voûte du film. Ce n’est pas un hasard si le réalisateur a été choisi après les succès d’Alias et de Lost, deux séries connues pour leur sens du rythme, leurs cliffhangers et leurs mystères constants.

Dès la scène d’ouverture, le ton est donné. Ethan Hunt est ligoté, sa fiancée Julia menacée par l’effrayant Owen Davian, incarné par un Philip Seymour Hoffman glaçant. Cette séquence n’est pas qu’une simple accroche, c’est une métaphore de l’impuissance qui va hanter le film. Le compte à rebours, calme et implacable, symbolise la perte de contrôle du héros, dont le temps est désormais celui du méchant. Le génie de Hoffman réside dans la tranquillité terrifiante de son personnage : il n’a pas besoin de hurler ou de gesticuler pour être une menace absolue, son calme est sa plus grande arme, ce qui en fait l’un des meilleurs antagonistes de la saga. La brutalité de l’ouverture se poursuit avec la première mission du film. À Berlin, Ethan tente de sauver son ancienne élève Lindsey Farris, interprétée par Keri Russell, une actrice que Abrams connaissait bien pour l’avoir révélée dans sa série Felicity. En quelques scènes, la mort soudaine et irréversible de Lindsey devient le miroir des peurs d’Ethan. Sa perte est une prophétie : l’univers intime du héros est désormais menacé. Cette mort, causée par une capsule explosive indétectable, symbolise la menace invisible et abstraite qui plane sur l’ensemble du film, une thématique en résonance avec les angoisses géopolitiques du début des années 2000. C’est ici que le film installe une insécurité radicale : si un personnage familier peut mourir si vite, alors personne n’est à l’abri.

Le film a également su réinventer son équipe, avec le retour de Ving Rhames dans le rôle de Luther Stickell, l’ancre émotionnelle de l’équipe, et l’arrivée de Jonathan Rhys Meyers et de Maggie Q, qui apportent une touche de modernité et de grâce féline. Ces personnages ne sont pas de simples faire-valoir, mais des miroirs du héros, soulignant qu’Ethan dépend d’une structure collective pour réussir ses missions. Laurence Fishburne, en directeur autoritaire de l’IMF, ajoute un poids hiérarchique qui place Hunt dans une tension constante entre obéissance et autonomie. Son interprétation impose une gravité théâtrale qui renforce la dimension humaine et relationnelle du film. L’alchimie de ce casting permet de sentir que la mission est portée par une équipe, et que même un héros charismatique ne peut triompher seul. Cette approche chorale a été une décision clé de Abrams pour s’éloigner du one-man-show du deuxième opus.

L’une des grandes forces du film réside dans son MacGuffin, le mystérieux « Rabbit’s Foot ». Le reproche souvent fait à Abrams de ne pas en révéler le contenu est en réalité la clé de sa puissance symbolique. Cet objet incarne le néant de la menace contemporaine : un danger absolu, invisible, capable de détruire le monde sans qu’on n’en connaisse la forme. Dans une ère marquée par la peur du terrorisme global et des armes de destruction massive introuvables, le « Rabbit’s Foot » est une allégorie parfaite de la peur elle-même. Ce qui compte n’est pas ce qu’il contient, mais le fait que tout le monde y croit. Abrams fait du vide la véritable arme. Mission: Impossible III est un film où chaque scène d’action est justifiée par la psychologie des personnages et la tension des enjeux. La mission au Vatican, avec ses jeux de masques, devient une parabole de la duplicité d’Ethan, partagé entre son identité d’espion et celle d’époux. Le film fait de sa relation avec Julia, jouée par Michelle Monaghan, un fragile refuge toujours menacé par le danger. La mise en scène d’Abrams, avec ses contrastes visuels, souligne cette opposition constante entre l’intime et le public.

Le film se distingue aussi par ses choix de production. Tourné dans plusieurs pays, de la Chine (Shanghai et Xitang) à l’Allemagne (Berlin), en passant par l’Italie (Rome et le Vatican) et les États-Unis (Californie et Virginie), le film bénéficie d’une ampleur visuelle internationale. Les scènes d’action sont une prouesse technique, en grande partie réalisées avec des effets pratiques plutôt que numériques. La course-poursuite sur le pont de Chesapeake Bay, les explosions contrôlées et la spectaculaire séquence de saut depuis la Jinmao Tower de Shanghai, créent une sensation de danger palpable et de réalisme. Le montage nerveux et la musique de Michael Giacchino – qui modernise et densifie le thème classique de Lalo Schifrin – contribuent à un rythme effréné. Chaque scène spectaculaire est contrebalancée par un moment de tension silencieuse, créant un balancement qui maintient le spectateur en alerte. Giacchino compose une partition qui oscille entre l’épique et l’intime, renforçant l’impression que tout repose sur un fil.

Plus de quinze ans après sa sortie, Mission: Impossible III reste une référence. Il a su réconcilier spectacle et densité dramatique, posant les bases solides qui ont permis à la saga de se réinventer avec chaque épisode, tout en conservant une identité forte. Le film a relancé la franchise et a permis à Tom Cruise de regagner l’estime du public après une période difficile sur le plan personnel. MI:III a prouvé qu’un blockbuster pouvait être à la fois divertissant et intelligemment construit, offrant le frisson de l’action avec la satisfaction d’un récit soigneusement structuré et pose la matrice de tous les épisodes de la saga qui suivront.

Ma Note : A