Le film Demain ne meurt jamais, second opus porté par Pierce Brosnan dans le costume iconique de l’agent 007 et réalisé par Roger Spottiswoode, s’inscrit dans une période charnière de la franchise James Bond. Le succès international de GoldenEye avait relancé la saga après six ans de pause, et les producteurs souhaitaient capitaliser très rapidement sur cet élan. Le développement de ce nouvel épisode a donc été à la fois précipité et riche en tensions, ce qui se ressent dans la nature même du projet. Le scénario, imaginé par Bruce Feirstein, puise son inspiration dans les préoccupations de la fin des années 1990. La montée en puissance des conglomérats médiatiques, la concentration de la presse, l’influence croissante des chaînes d’information continue et les débats autour de l’éthique journalistique nourrissaient déjà l’imaginaire collectif. Au cœur de cette dynamique, Feirstein, ancien journaliste, transforme ces inquiétudes contemporaines en moteur narratif : celui d’un magnat de la communication déterminé à provoquer une crise internationale afin d’augmenter l’audience de ses médias et d’asseoir son empire. Ce point de départ inscrit le film dans une logique nouvelle pour la franchise, qui cherche à s’adapter à un monde où la manipulation de l’information devient une arme. Le choix de ce sujet découle également d’un désir de moderniser les enjeux géopolitiques de Bond. Les années de Guerre froide étant révolues, il s’agissait de trouver un antagoniste plausible dans un monde globalisé. La figure du milliardaire omnipotent influençant le cours du monde par la maîtrise des réseaux de communication apparaît ainsi comme un substitut crédible au spectre soviétique passé. La création du personnage d’Elliot Carver s’inscrit dans cette démarche : il incarne la menace diffuse, idéologique et technologique d’un monde où la couverture médiatique prime sur la réalité elle-même.

Le film puise par ailleurs dans plusieurs influences artistiques et cinématographiques. L’Espion qui m’aimait et On ne vit que deux fois, dont la structure narrative repose sur l’union forcée entre Bond et une espionne d’une puissance étrangère face à un ennemi désireux de déclencher une guerre mondiale, constituent des points de référence évidents. Mais si Demain ne meurt jamais évoque ces modèles, il adopte une tonalité plus contemporaine, intégrant à son récit les préoccupations géopolitiques et technologiques d’une époque obsédée par l’information instantanée. Le film s’inscrit aussi dans une tradition du thriller technologique typique des années 1990, aux côtés de films comme Ennemi d’État ou Mission: Impossible, dans lesquels la circulation des données, la surveillance et les outils de communication deviennent des enjeux dramatiques. Le style visuel de Roger Spottiswoode, lui-même ancien monteur, emprunte également au cinéma d’action américain de la décennie, multipliant les séquences nerveuses, les cadrages dynamiques et les montages rapides. La volonté d’intégrer des cascades spectaculaires, des poursuites motorisées et une chorégraphie de l’action plus réaliste s’inscrit dans une tendance hollywoodienne récente à privilégier la physicalité du geste et le réalisme des cascades au détriment des artifices plus théâtraux des Bond des années 1970 et 1980. On perçoit également dans l’approche visuelle du film un désir de conjuguer exotisme traditionnel de la saga et esthétique plus urbaine et moderne. Les décors oscillent ainsi entre paysages asiatiques, bases technologiques futuristes et environnements industriels, créant un mélange qui rappelle à la fois les racines de la franchise et ses ambitions de renouvellement. L’arrivée du compositeur David Arnold, admirateur de John Barry, contribue à ancrer le film dans une tradition musicale tout en modernisant ses sonorités par une utilisation plus appuyée de percussions électroniques et de textures synthétiques, reflet d’un univers narratif dominé par la technologie.

La mise en scène de Roger Spottiswoode reflète son expérience de monteur. Sa manière d’aborder la narration privilégie le rythme, la clarté de l’action et l’efficacité dramaturgique. Les séquences d’ouverture et de poursuite illustrent cette volonté de plonger le spectateur dans un flot ininterrompu de mouvement. Spottiswoode cherche constamment à dynamiser l’espace, multipliant les angles de caméra, les alternances entre plans rapprochés et plans larges, les caméras embarquées ou les mouvements aériens. Cette approche permet de donner de la fluidité aux scènes d’action, en particulier à la célèbre poursuite en moto où Bond et Wai Lin doivent fuir des ennemis tout en restant attachés l’un à l’autre, ou encore à la séquence de la BMW télécommandée, qui constitue l’un des moments les plus emblématiques du film. Le réalisateur met en avant une narration visuelle simple et lisible, parfois au détriment de la construction émotionnelle ou de l’ambiguïté dramatique. Le film adopte un style énergique et direct, misant avant tout sur le spectacle. Cette orientation se ressent également dans la direction artistique : les décors, qu’ils soient urbains, industriels ou technologiques, sont conçus pour offrir des terrains de jeu adaptés aux scènes d’action. La base furtive de Carver, par exemple, est pensée comme un espace multi-niveaux permettant une grande variété de déplacements, de fusillades et d’acrobaties. L’esthétique générale, mêlant surfaces métalliques, éclairages froids et architecture futuriste, souligne l’importance de la technologie dans le récit et renforce la dimension contemporaine du film.

Roger Spottiswood réalisateur ayant navigué entre films d’action, drames et fictions politiques, apporte son savoir-faire technique, mais le tournage se déroule dans un contexte difficile, marqué par des réécritures du scénario en cours de production et une pression temporelle considérable. Le film bénéficie de sa précision technique, mais reflète aussi les limites d’un processus créatif contraint. Bruce Feirstein, qui avait participé à l’écriture de GoldenEye, poursuit l’ambition de moderniser le personnage en l’inscrivant dans les enjeux d’un monde post-Guerre froide. Toutefois, sa plume se heurte à la volonté du studio de privilégier l’action. Les idées thématiques, bien que présentes, restent parfois esquissées plus qu’explorées en profondeur. Dans l’ensemble, le film représente un tournant dans la saga Bond, marquant le début d’une phase davantage orientée vers l’action spectaculaire. Il révèle également une tension constante entre tradition et modernité, entre l’héritage littéraire et cinématographique du personnage et les exigences commerciales d’une franchise mondiale.

Pierce Brosnan, pour sa seconde incarnation du célèbre agent, impose un Bond élégant, ironique, mais plus dur et plus physique qu’auparavant. Sa performance allie le charme classique du personnage à une intensité moderne qui cadre avec les ambitions contemporaines du récit. Brosnan maîtrise à la fois l’attitude désinvolte attendue du personnage et la crédibilité dans les scènes d’action, ce qui contribue à ancrer ce Bond dans une temporalité nouvelle. L’une des réussites du film réside dans l’introduction de Michelle Yeoh dans le rôle de l’agente Wai Lin. Contrairement à de nombreuses “Bond girls” traditionnelles, son personnage est construit comme une égale de Bond : compétente, autonome, charismatique et dotée d’un humour discret mais percutant. Yeoh apporte une présence physique remarquable, qui enrichit considérablement le film. Son expérience dans le cinéma d’action asiatique lui permet d’exécuter elle-même certaines cascades, renforçant l’authenticité du personnage. Le duo qu’elle forme avec Brosnan constitue l’un des points forts du film, apportant une dynamique de coopération rarement atteinte dans la saga. Du côté des antagonistes, Jonathan Pryce incarne Elliot Carver avec une excentricité maîtrisée. Son interprétation mêle ironie, arrogance et froideur, mais manque de menace réelle, ce qui atténue parfois l’impact dramatique de son personnage. Les seconds rôles, tels que Götz Otto dans le rôle du brutal Stamper ou Vincent Schiavelli dans celui du redoutable docteur Kaufman, offrent des prestations marquantes, rappelant l’importance des figures secondaires dans l’univers de Bond. Schiavelli, en particulier, injecte une touche d’humour noir qui s’inscrit parfaitement dans la tonalité du film.

Le rythme, presque effréné, reflète la volonté des producteurs de proposer un Bond modernisé, adapté aux standards du blockbuster international. Les séquences s’enchaînent avec une rapidité qui ne laisse que peu de place à la contemplation ou au développement dramatique. Ce choix narratif a l’avantage d’offrir un divertissement efficace, où l’ennui n’a pas sa place. Cependant, il a également pour effet d’aplanir certains enjeux, qui auraient gagné à être explorés plus en profondeur. La tension dramatique se trouve parfois sacrifiée au profit de l’accumulation d’action, si bien que certains passages clés semblent manquer de poids émotionnel ou de densité. Cette logique de rythme constant finit par uniformiser la narration, empêchant parfois le film de créer des respirations ou des moments d’intensité dramatique plus nuancés. La chanson d’ouverture interprétée par Sheryl Crow, est en deçà des standards habituels mais s’intègre dans cette volonté de modernisation, tandis que le morceau Surrender, interprété par K.D. Lang, écrite par David Arnold résonne davantage avec l’esprit traditionnel de la saga.

Demain ne meurt jamais apparaît avec une étonnante acuité lorsque l’on considère l’évolution du paysage médiatique depuis sa sortie. Le film, qui proposait en 1997 une satire légère mais lucide sur le pouvoir des médias, semble aujourd’hui anticiper plusieurs dynamiques devenues omniprésentes : la course au buzz, la fabrication du récit avant la vérification des faits, la rivalité entre nations accentuée par la propagation instantanée de l’information, et l’utilisation de la désinformation comme outil de stratégie politique. Dans un monde marqué par les fake news, les campagnes de manipulation numérique et les opérations d’influence massive, le personnage d’Elliot Carver apparaît presque prophétique. Le film prend une dimension nouvelle, la maîtrise de l’information, la capacité à orienter l’opinion publique ou à créer artificiellement une perception du réel sont aujourd’hui des enjeux politiques majeurs, et l’intrigue imaginée il y a près de trente ans résonne désormais avec une grande pertinence.

Conclusion : Demain ne meurt jamais second meilleur film de l’ére Brosnan est révélateur de la transition que vivait la franchise à la fin des années 1990 : partagé entre le respect d’un héritage codifié et l’adaptation à un monde bouleversé par la révolution médiatique, le film illustre autant les forces que les limites de cette période Brosnan. Dynamique, élégant, ponctué de moments d’action iconiques il continue aujourd’hui d’occuper une place singulière dans la saga : non pas un sommet, mais une œuvre charnière, emblématique d’une époque où James Bond apprenait à affronter, déjà, les spectres d’un futur façonné par l’information en continu et l’emprise des images.

Ma Note : B+