A Nightmare on Elm Street (1984) n’est pas seulement un classique du cinéma d’horreur : c’est une œuvre fondatrice, un manifeste cauchemardesque qui a redéfini les contours du genre. Wes Craven, déjà remarqué pour ses incursions brutales dans l’horreur avec The Last House on the Left et The Hills Have Eyes, signe ici son film le plus emblématique, celui qui cristallise ses obsessions et son génie narratif. À travers Freddy Krueger, il donne naissance à une figure mythologique, à la fois grotesque et fascinante, qui hantera durablement l’imaginaire collectif.

L’idée du film germe chez Craven à la lecture d’articles du Los Angeles Times relatant des cas de jeunes réfugiés asiatiques morts dans leur sommeil après avoir été terrifiés par des cauchemars. Ce phénomène étrange, baptisé Sudden Unexplained Death Syndrome, devient le terreau fertile d’un scénario où le rêve devient le théâtre du meurtre. Craven y injecte ses propres peurs d’enfant, notamment le souvenir d’un homme inquiétant aperçu par la fenêtre, qui deviendra l’archétype de Freddy. Mais A Nightmare on Elm Street ne naît pas dans un vide créatif. Il s’inscrit dans une époque saturée de slashers post-Halloween et Friday the 13th, tout en s’en démarquant radicalement. Là où les tueurs masqués agissent dans le réel, Freddy frappe dans l’inconscient. Le film emprunte à l’expressionnisme allemand, au surréalisme, et même à la psychanalyse freudienne, pour créer une horreur plus insidieuse, plus mentale. Dans la filmographie de Craven, A Nightmare on Elm Street représente un tournant. Après des productions plus modestes et parfois inégales (Deadly Blessing, Swamp Thing), il trouve ici un équilibre parfait entre terreur viscérale et sophistication narrative. Le succès du film propulse Craven au rang de maître de l’horreur, statut qu’il consolidera avec Scream plus d’une décennie plus tard. Ce premier opus est aussi le socle d’une franchise prolifique, qui comptera huit suites, un crossover (Freddy vs. Jason) et un remake. Pourtant, aucun ne retrouvera la pureté cauchemardesque du film originel, que Craven lui-même revisitera avec intelligence dans New Nightmare (1994), en y injectant une réflexion méta sur le pouvoir des images.

Freddy, incarné par Robert Englund, est une création d’une richesse rare. Contrairement aux tueurs monolithiques du slasher, il parle, il rit, il provoque. Son visage brûlé, son gant à lames, son pull rayé rouge et vert, tout concourt à en faire une figure immédiatement reconnaissable. Englund lui insuffle une théâtralité malsaine, une jubilation sadique qui le rend à la fois terrifiant et étrangement charismatique. Freddy est aussi le reflet d’une société malade : ancien tueur d’enfants relâché par la justice, il est brûlé vif par des parents en quête de vengeance. Il incarne le retour du refoulé, la culpabilité collective, la violence des adultes dissimulée derrière les façades suburbaines. Un critique anglo-saxon évoquait Freddy comme « l’ombre du rêve américain », et cette lecture politique du film lui confère une profondeur inattendue.

Visuellement, le film est une réussite éclatante. Craven joue avec les codes du rêve : les décors se déforment, les lois physiques s’effondrent, les couleurs deviennent irréelles. La scène où Tina est traînée au plafond, ou celle du bain où la main gantée surgit entre les jambes de Nancy, sont devenues cultes. Le montage, nerveux mais jamais confus, accentue la porosité entre rêve et réalité. La direction artistique, malgré un budget modeste (1,8 million de dollars), fait preuve d’une inventivité remarquable. Les effets spéciaux pratiques, réalisés par Jim Doyle et David B. Miller, sont à la fois grotesques et poétiques. Le sang jaillit en geyser, les murs se déforment, les escaliers deviennent des sables mouvants : chaque cauchemar est une œuvre plastique en soi.

Heather Langenkamp, dans le rôle de Nancy, incarne une final girl atypique : intelligente, proactive, elle refuse de se laisser victimiser. Sa confrontation finale avec Freddy, où elle le prive de son pouvoir en lui tournant le dos, est une métaphore puissante de l’émancipation. À ses côtés, Johnny Depp fait ses débuts dans le rôle de Glen, et si son jeu est encore naïf, il apporte une fraîcheur bienvenue. Le reste du casting, composé de visages familiers du cinéma de genre (John Saxon, Amanda Wyss), est solide. Mais c’est Englund qui domine le film de son aura maléfique. Freddy n’est pas un monstre : c’est une idée, une présence, une contamination . Et c’est précisément cette omniprésence qui rend le film si oppressant. La musique de Charles Bernstein est un élément clé de l’atmosphère du film. Minimaliste, synthétique, elle évoque les pulsations du sommeil, les battements du cœur, les murmures de l’inconscient. Le thème principal, entêtant et dissonant, accompagne les apparitions de Freddy comme une comptine macabre.

L’impact de A Nightmare on Elm Street sur le cinéma d’horreur est immense. Il a ouvert la voie à une horreur plus psychologique, plus métaphysique. Des films comme It Follows, The Babadook ou Hereditary doivent beaucoup à Craven. Freddy est devenu une icône pop, apparaissant dans des clips, des jeux vidéo, des publicités. Mais au-delà du folklore, le film a marqué une génération de spectateurs, qui ont appris que même le sommeil n’était plus un refuge.

Conclusion : Wes Craven, avec A Nightmare on Elm Street, n’a pas seulement créé un film d’horreur : il a créé un mythe. En mêlant terreur viscérale et réflexion sur les peurs collectives, il a donné naissance à une œuvre qui transcende son genre. Freddy Krueger, figure du mal tapi dans l’inconscient, continue de hanter les écrans et les esprits. Et si le rêve est le miroir de nos angoisses, alors A Nightmare on Elm Street , cauchemar éveillé qui n’a rien perdu de sa puissance, en est le reflet le plus fidèle et le plus cruel

Ma Note : A