En 1997, Paul W.S. Anderson, jeune réalisateur britannique révélé par Shopping (1994) et propulsé par le succès commercial de Mortal Kombat (1995), s’attaque à un projet plus ambitieux, plus sombre, et surtout plus personnel : Event Horizon. Ce film de science-fiction horrifique, longtemps mésestimé à sa sortie, est aujourd’hui considéré comme une œuvre culte, un jalon singulier dans la filmographie de son auteur et dans le paysage du cinéma de genre. À la croisée de Alien, Hellraiser et Solaris, Event Horizon propose une expérience sensorielle et psychologique intense, où l’espace devient le théâtre d’une descente aux enfers.

Les origines de Event Horizon remontent à la fin des années 90, Paul W.S. Anderson , qui cherchait à s’affirmer après le succès commercial de son adaptation de jeu vidéo. Fraîchement auréolé du triomphe inattendu de Mortal Kombat en 1995, qui avait prouvé sa maîtrise des effets visuels et des récits dynamiques, Anderson a été submergé d’offres, y compris pour diriger X-Men ou la suite de son propre film. Mais il a préféré plonger dans un projet plus sombre, attiré par le script original de Philip Eisner, que Paramount Pictures tentait de développer depuis un moment avec les producteurs Lawrence Gordon et Lloyd Levin. Anderson, lassé des contraintes PG-13 de son précédent travail, aspirait à un film R-rated, viscéral et adulte, où il pourrait explorer des thèmes d’horreur pure. Le projet a été lancé avec un budget de 60 millions de dollars, ambitieux pour l’époque, mais la production s’est avérée tumultueuse. Le tournage, réalisé aux Pinewood Studios en Angleterre, a été marqué par des défis techniques, comme la construction de décors mobiles pour simuler la gravité zéro. Pire encore, Paramount, pressé par le retard de Titanic, a imposé un montage accéléré, forçant Anderson à couper plus de 30 minutes de son director’s cut initial de 130 minutes. Ces coupes, qui ont atténué certaines scènes de violence extrême, ont laissé le réalisateur frustré, mais elles ont aussi conféré au film une urgence narrative qui le rend d’autant plus percutant. Malgré ces obstacles, Event Horizon reflète la vision personnelle d’Anderson, influencée par ses expériences personnelles et son amour pour les récits où la technologie rencontre l’irrationnel. Le scénario de Event Horizon, écrit par Philip Eisner, naît d’une volonté de fusionner les codes du film de science-fiction avec ceux de l’horreur métaphysique. Anderson, séduit par cette approche, voit dans le projet l’opportunité de s’éloigner des adaptations de jeux vidéo et de s’affirmer comme un auteur capable de créer une atmosphère, une esthétique, et une mythologie propre. Les influences sont nombreuses et assumées : 2001: A Space Odyssey pour la majesté des décors spatiaux, The Shining pour la folie rampante, Hellraiser pour l’imagerie sadique et infernale, Solaris pour la dimension introspective. Anderson ne cherche pas à dissimuler ces références ; il les digère, les réinterprète, et les intègre dans une vision personnelle du genre. Le résultat est un film hybride, à la fois hommage et proposition originale.

Event Horizon occupe une place particulière dans la filmographie de Paul W.S. Anderson. C’est son film le plus ambitieux sur le plan artistique, celui où il tente de dépasser les limites du divertissement pur pour explorer des thématiques plus profondes. Après ce film, Anderson reviendra à des productions plus commerciales, comme Resident Evil (2002) et Death Race (2008), mais Event Horizon reste son œuvre la plus singulière, celle qui témoigne d’une véritable volonté de cinéma. Ce film marque aussi une rupture dans la perception du réalisateur. Anderson révèle ici une sensibilité esthétique, une capacité à créer de l’angoisse par le cadre, le son, et le rythme qu’il ne retrouvera hélas plus vraiment.

La conception artistique de Event Horizon est un triomphe d’imagination, où Anderson transforme un vaisseau spatial en une cathédrale gothique flottante. Inspiré par Notre-Dame de Paris, qu’il a scannée numériquement pour recomposer les éléments – des piliers évasés aux gargouilles devenues antennes –, le design du vaisseau éponyme évoque un sanctuaire maudit, avec sa forme cruciforme et ses couloirs labyrinthiques.Les tons froids du vaisseau Lewis and Clark contrastent avec les rouges sanglants du Event Horizon, créant une dichotomie visuelle qui reflète la confrontation entre rationalité et chaos. Anderson joue sur les ombres, les reflets, les effets de perspective pour désorienter le spectateur et l’immerger dans une réalité instable. Les superviseurs des effets, Richard Yuricich (vétéran de 2001 et Blade Runner) et Neil Corbould, ont privilégié les effets « in-camera », construisant des décors rotatifs pour le noyau gravitationnel et des tunnels pivotants pour simuler le chaos dimensionnel. Les acteurs, suspendus en harnais pour les scènes de zéro gravité, ajoutent une physicalité tangible, renforcée par l’utilisation d’amputés réels pour les mutilations gore. Cette approche pratique, préférée aux CGI naissants de l’époque, donne au film une texture organique qui résiste au temps, contrairement à bien des productions contemporaines. J’admire comment ces choix artistiques amplifient le thème du mal incarné dans la machine, faisant du vaisseau un personnage vivant, pulsant d’une énergie maléfique.

La mise en scène d’Anderson dans Event Horizon démontre une vraie maîtrise technique , créant une atmosphère de malaise constant qui imprègne chaque cadre. Il excelle à utiliser l’espace confiné pour bâtir la tension, avec des plans larges sur l’immensité cosmique contrastant les intérieurs claustrophobes, éclairés par des néons froids et des ombres menaçantes. Les séquences hallucinogènes, comme les visions d’enfer – des flashes rapides de tourments infernaux –, sont filmées avec une précision chirurgicale, évitant l’excès pour privilégier l’implication du spectateur. Anderson intègre des motifs chrétiens – croix, vitraux réinventés en panneaux – pour souligner le thème du péché originel transposé dans les étoiles. Cette direction, influencée par son mentor Yuricich, mise sur le réalisme pour ancrer l’horreur, rendant les jumps scares plus impactants. C’est une mise en scène qui ne cherche pas le spectacle gratuit, mais une immersion progressive dans la folie, faisant du film un voyage sensoriel inoubliable.

Le montage, signé Martin Hunter (Full Metal Jacket, Underworld), contribue à l’efficacité du film. Malgré les coupes imposées par le studio, la narration reste fluide, alternant entre scènes d’exposition, moments de tension psychologique, et séquences d’horreur pure. Le rythme est maîtrisé, avec une montée progressive vers le climax, où la folie s’empare des personnages et du spectateur. Certaines scènes, notamment celles de flashbacks ou de visions hallucinées, sont montées de manière chaotique, presque subliminale, renforçant l’impression de perte de repères. Ce choix, loin d’être gratuit, participe à la construction d’un univers où le temps et l’espace sont distordus, où la logique cède la place à l’irrationnel.

Les acteurs principaux de Event Horizon apportent une gravitas essentielle, et le film tient une place notable dans leurs filmographies respectives. Laurence Fishburne (The Matrix, Boyz n the Hood), dans le rôle du Capitaine Miller, leader stoïque de l’équipage de sauvetage, incarne une figure d’autorité inébranlable qui ancre le récit dans la réalité. Ce rôle, juste avant son iconique Morpheus, montre sa polyvalence, passant d’un cowboy texan envisagé initialement à un commandant charismatique dont la force morale résiste aux assauts psychiques. Sam Neill (Jurassic Park, In the Mouth of Madness), en Dr. William Weir, le concepteur tourmenté du vaisseau, offre une performance magistrale, évoluant d’un scientifique rationnel à un possédé halluciné. Ce personnage marque un virage dans sa carrière, le propulsant vers des rôles plus sombres, comme dans In the Mouth of Madness, où il explore déjà la folie lovecraftienne. Kathleen Quinlan (Apollo 13, Breakdown) excelle en Peters, la mère hantée par des visions familiales, ajoutant une couche émotionnelle qui humanise l’équipage. Joely Richardson (Nip/Tuck, The Patriot) apporte une vulnérabilité nuancée à Starck, la navigatrice, préfigurant ses rôles dramatiques ultérieurs. Richard T. Jones (The Rookie, Judgment Day) injecte de l’humour et de la bravoure en Cooper, le technicien espiègle, tandis que les seconds rôles comme Jason Isaacs (The Patriot) renforcent l’ensemble. Ce casting à contre-emploi – des acteurs habitués aux drames ou aux blockbusters familiaux – élève le film, le transformant en un drame psychologique autant qu’en festival horrifique.

La musique, composée par Michael Kamen (Brazil, Lethal Weapon)) en collaboration avec le groupe Orbital, (Hackers, The Beach) est un élément central de l’atmosphère du film. Elle mêle orchestrations classiques et textures électroniques, créant une ambiance à la fois majestueuse et inquiétante. Les nappes sonores, les pulsations, les dissonances accompagnent les visions d’horreur et les moments de tension avec une efficacité redoutable. Les thèmes lancinants de Kamen, avec leurs cordes dissonantes, évoquent l’angoisse cosmique, tandis que les synthés d’Orbital ajoutent une modernité industrielle, amplifiant les séquences d’action. Cette hybridation, voulue par Anderson fan de genres mixtes, rend la musique organique au récit, comme les battements de cœur maléfique du vaisseau. Le design sonore est tout aussi soigné. Les bruits du vaisseau, les cris étouffés, les murmures, les sons distordus participent à l’immersion dans un univers où la réalité vacille. Anderson utilise le son comme un outil narratif, un vecteur d’angoisse, un révélateur de l’invisible.

Les influences de Event Horizon sont riches et évidentes, tissant un tapis narratif qui puise dans les classiques du genre tout en forgeant une identité unique. On y discerne l’ombre de Alien de Ridley Scott (Blade Runner, Prometheus), avec son équipage confiné face à une menace insidieuse venue des étoiles, mais Anderson y infuse une dimension plus métaphysique, évoquant les horreurs cosmiques de H.P. Lovecraft. Le concept d’un vaisseau traversant une dimension parallèle – le « Warp » – rappelle fortement l’univers de Warhammer 40,000, où les voyages spatiaux flirtent avec des entités démoniaques. Philip Eisner, le scénariste, a d’ailleurs reconnu cette inspiration, imaginant un espace où la physique défie la raison humaine. Visuellement, le film emprunte à Hellraiser de Clive Barker (Candyman, Nightbreed), avec ses visions de tourments infernaux et ses motifs chrétiens, comme les croix et les gargouilles réinterprétées en structures spatiales. Anderson cite aussi 2001 : L’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick (The Shining, A Clockwork Orange) pour son exploration philosophique du cosmos, mais il la teinte d’une horreur gore et psychologique. Ces références ne sont pas gratuites ; elles servent à ancrer le récit dans une tradition tout en le propulsant vers l’innovation, faisant de Event Horizon un pont entre la SF contemplative et l’horreur viscérale. J’apprécie particulièrement comment Anderson fusionne ces éléments pour créer une atmosphère où le mal n’est pas une créature tangible, mais une force corruptrice qui s’infiltre dans l’âme humaine. Là où Alien jouait sur la menace biologique, Event Horizon explore la dimension métaphysique de l’horreur. Le vaisseau devient une porte vers une autre réalité, un enfer psychologique où les peurs les plus intimes prennent forme. Le film interroge la nature du mal, la culpabilité, la mémoire, la folie — des thèmes rarement abordés avec autant de radicalité dans le cinéma de genre. Event Horizon tient une place éminente dans le genre sci-fi horror, un film culte qui a influencé des œuvres ultérieures , notamment Sunshine de Danny Boyle qui reprend l’idée du voyage spatial comme expérience mentale et émotionnelle. À sa sortie, Event Horizon a été accueilli froidement par la critique, qui lui reprochait son scénario confus et sa violence excessive. Mais avec le temps, le film a gagné en reconnaissance, devenant un objet de culte pour les amateurs de science-fiction et d’horreur. On regrettera toujours d’une version director’s cut, malheureusement rendue impossible par la disparition des séquences originales.

Conclusion : Event Horizon est une expérience cinématographique audacieuse, un voyage au cœur des ténèbres qui récompense les revisites. Anderson y déploie un talent brut qui, malgré les contraintes, livre un film intemporel. À voir pour son intensité, sa beauté macabre et son avertissement : l’univers n’est pas vide, il est plein de cauchemars.

Ma note : B+