Peu d’œuvres parviennent à fusionner l’ambiance poisseuse du film noir avec un mysticisme aussi troublant qu’Angel Heart. Réalisé par le maestro britannique Alan Parker (Midnight Express, Pink Floyd – The Wall) et sorti en 1987, ce film est bien plus qu’une simple adaptation de roman. C’est une plongée hallucinée dans les abysses de l’âme, une enquête qui se transforme en descente aux enfers, le tout enveloppé dans la sueur et la poussière de la Nouvelle-Orléans. Souvent perçu comme un film maudit, boudé par le public à sa sortie et censuré par la Motion Picture Association of America (MPAA) pour une scène de sexe jugée trop explicite, Angel Heart a depuis acquis le statut de film culte, un joyau sombre et vénéneux qui n’a rien perdu de sa puissance.

Le projet Angel Heart trouve sa source dans le roman de 1978 Falling Angel (paru en France dans la Série Noire sous le titre Le Sabbat de Central Park) de l’auteur américain William Hjortsberg. Le livre est une œuvre de fiction hybride, mêlant les codes du hardboiled détective à une intrigue de fantastique et d’horreur. L’écrivain, lui-même un grand admirateur de la mythologie et des légendes du Diable, a injecté dans son récit un vernis de sorcellerie et de satanisme qui le distinguait radicalement des polars traditionnels. Avant d’atterrir entre les mains d’Alan Parker, le roman avait déjà été considéré pour le grand écran à plusieurs reprises. Le producteur britannique Elliott Kastner avait acheté les droits dans les années 1980 et avait envisagé de le confier à d’autres réalisateurs, notamment Walter Hill (The Warriors, 48 heures ).Mais c’est finalement le réalisateur et scénariste Alan Parker qui s’est emparé du projet. Fraîchement revenu de ses tournages musicaux et ses drames puissants comme Birdy (1984), Parker cherchait un défi à la hauteur de son ambition visuelle. Il a été immédiatement séduit par le pitch : un détective privé qui, en cherchant une personne disparue, se perd lui-même. C’est lui qui a décidé de déplacer l’action de New York à La Nouvelle-Orléans et dans le bayou louisianais, trouvant que la ville et ses légendes du vaudou offraient un décor parfait pour une histoire de magie noire et de damnation. Parker a ensuite réécrit le scénario, s’attachant à densifier l’atmosphère et à faire monter la tension psychologique, transformant le détective en une âme torturée, un anti-héros tragique dont la chute est aussi inéluctable que poétique. C’est cette dimension éminemment tragique et l’attention portée aux détails qui font d’Angel Heart une œuvre personnelle et viscérale.

Angel Heart est un film qui puise dans un éventail riche et complexe d’influences. Il est, bien évidemment, l’héritier direct du film noir classique des années 1940 et 1950. On pense inévitablement à des films comme Le Faucon maltais (1941) ou Adieu, ma belle (1975), avec leur détective privé cynique et solitaire, leurs femmes fatales et leurs intrigues alambiquées. Le personnage de Harry Angel, joué par Mickey Rourke, s’inscrit parfaitement dans la lignée de Philip Marlowe ou de Sam Spade, mais avec une dose de vulnérabilité et de désespoir qui lui est propre.Mais le film va au-delà du simple exercice de style. Il emprunte également au genre de l’horreur gothique. L’ambiance lourde et les thèmes de damnation éternelle, de pacte avec le Diable, ne sont pas sans rappeler les récits d’Edgar Allan Poe ou les histoires de fantômes du sud des États-Unis. La dimension horrifique est surtout présente dans l’utilisation des symboles du vaudou, des rites macabres et des images de corps mutilés, qui relèvent plus du cinéma d’épouvante que du polar. La scène où Harry Angel découvre le cœur dans la baignoire, par exemple, est une image d’une violence froide et d’une puissance symbolique qui ne peut que faire écho aux grands films d’horreur.

Alan Parker a toujours été un virtuose de la narration visuelle, il utilise la caméra comme un pinceau, peignant un tableau d’une richesse et d’une atmosphère incroyables. Parker a un sens aigu du détail, il sait comment utiliser l’espace, la lumière et la couleur pour raconter son histoire. Sa mise en scène est baroque, sensorielle, elle transcende les codes du polar classique pour plonger le spectateur dans une atmosphère moite, oppressante et profondément symbolique. Parker compose chaque plan comme une peinture expressionniste. Il joue sur les ombres, les reflets, les textures — les murs décrépis, les ventilateurs qui grincent, les gouttes de sueur — pour créer une ambiance de décomposition morale du personnage principal. Chaque scène semble orchestrée comme un rituel, avec une précision presque liturgique. Les meurtres, les apparitions de Louis Cyphre (De Niro), les flashs de mémoire sont mis en scène avec une lenteur calculée, comme pour mieux imprégner le spectateur d’un malaise croissant. Parker laisse à Mickey Rourke toute la latitude pour explorer les nuances de son personnage, souvent en plans rapprochés, presque intrusifs. À l’inverse, De Niro est filmé avec distance, souvent dans des cadres rigides, comme une entité supérieure. Ce contraste visuel renforce leur opposition dramatique. Parker utilise des symboles religieux et occultes (croix inversées, œufs, sang, miroirs) pour tisser une toile de sens qui dépasse le récit policier. La célèbre scène d’amour entre Mickey Rourke et Lisa Bonet, jugée si scandaleuse à l’époque, est une véritable symphonie de violence et d’extase, où le sang et le sexe se mêlent dans un tableau de damnation. La caméra de Michael Seresin (Fame, Harry Potter et le Prisonnier d’Azkaban) capte les décors naturels de New York et surtout de La Nouvelle-Orléans avec une sensualité trouble : les bayous, les églises délabrées, les intérieurs étouffants deviennent des personnages à part entière. Parker construit son film comme un labyrinthe, où chaque indice mène à une impasse ou à une révélation plus troublante. La mise en scène épouse cette logique : les mouvements de caméra sont souvent circulaires, les décors se répètent, les sons reviennent en boucle, créant une sensation de fatalité, comme si le personnage principal était condamné à revivre les mêmes erreurs.

Après ses rôles dans 9 semaines ½ (1986) et L’Année du Dragon (1985), Mickey Rourke était au sommet de sa popularité. Dans Angel Heart, il se débarrasse de son image de sex-symbol pour incarner un personnage torturé, vulnérable et plein de failles, une performance qui est considérée par beaucoup comme la meilleure de sa carrière. Dans le rôle de Harry Angel, détective privé new-yorkais embarqué dans une enquête de plus en plus cauchemardesque, il livre une performance d’une intensité rare. Dès les premières scènes, il impose une présence physique et émotionnelle qui tranche avec les archétypes du détective dur à cuire. Son Angel est nerveux, vulnérable, parfois même pathétique — un homme qui croit maîtriser son monde mais qui en ignore les règles profondes. Rourke joue sur les silences, les regards fuyants, les gestes hésitants. Il incarne un personnage en décomposition morale, dont la façade cynique se fissure à mesure que l’enquête progresse. Ce qui frappe, c’est sa capacité à rendre palpable la peur, la confusion, puis l’horreur existentielle. Dans les scènes de confrontation avec les témoins — souvent avant leur mort brutale — il oscille entre empathie et menace, comme s’il pressentait déjà qu’il est lié à ces crimes. Son jeu devient de plus en plus physique à mesure que la vérité se rapproche : sueur, tremblements, cris, hallucinations. Dans la scène finale, lorsqu’il comprend qu’il est lui-même Johnny Favorite, l’homme qu’il traquait, Rourke explose littéralement. Son cri — “I know who I am!” — est un moment de bascule, où l’acteur fusionne avec le personnage dans une révélation tragique. On ressent sa confusion, sa peur, sa solitude. Sa performance est d’une complexité rare pour un film de ce genre. C’est une performance viscérale, qui rappelle les grands rôles de perdition du cinéma américain.

Face à lui, Robert De Niro (Taxi Driver, Heat) incarne Louis Cyphre, client mystérieux qui engage Angel pour retrouver Johnny Favorite. Dès sa première apparition, De Niro impose une aura glaçante. Cheveux longs, barbe soignée, ongles impeccablement limés — tout dans son apparence évoque une élégance inquiétante. Il parle doucement, choisit ses mots avec soin, et ne hausse jamais le ton. C’est un diable feutré, un Lucifer bureaucrate. De Niro joue avec la retenue, l’ambiguïté. Il ne cherche jamais à surjouer la menace ; au contraire, il la distille par petites touches. Son regard fixe, ses silences prolongés, ses phrases énigmatiques sont autant de signes que quelque chose ne tourne pas rond. Il ne fait rien — et pourtant, il semble tout contrôler. Ce qui rend sa performance fascinante, c’est qu’il ne joue pas un personnage, mais une idée : celle du mal absolu, patient, méthodique. Il est là pour observer, pour attendre que le piège se referme. Dans ses scènes avec Rourke, il agit comme un miroir : plus Angel s’agite, plus Cyphre reste immobile. C’est une dynamique de prédation silencieuse, où De Niro incarne une forme de fatalité. Ce qui rend Angel Heart si puissant, c’est la manière dont les deux acteurs incarnent des pôles opposés. Rourke est le chaos, l’émotion brute, la descente aux enfers. De Niro est l’ordre, la froideur, la damnation calculée. Leur affrontement n’est jamais frontal — il est psychologique, symbolique. Et c’est précisément cette tension qui donne au film sa dimension tragique. Angel Heart est un duel d’acteurs d’une rare intensité. La participation de l’actrice Lisa Bonet (The Cosby Show, High Fidelity), connue pour son rôle d’adolescente dans une sitcom familiale, a également marqué un tournant dans sa carrière, en la révélant comme une actrice audacieuse et capable de rôles matures.

La conception artistique d’Angel Heart est l’un des piliers de sa réussite. Le film est une véritable symphonie visuelle. Les couleurs sont saturées et contrastées : les bleus sombres de la nuit de New York, les rouges sang des scènes de meurtre, les jaunes et les ocres des rues poussiéreuses de la Nouvelle-Orléans. Le directeur de la photographie Michael Seresin a su donner à chaque scène une ambiance unique, utilisant des éclairages forts et des ombres profondes pour créer une atmosphère de menace constante. Les décors, qu’il s’agisse des rues animées de Brooklyn ou des marais lugubres de Louisiane, sont traités comme des personnages à part entière, des arènes où se déroule le drame. Les costumes, enfin, contribuent à la caractérisation des personnages : le manteau usé de Harry Angel, les costumes impeccables et élégants de Louis Cyphre, le mystérieux costume d’homme d’affaires de De Niro qui semble appartenir à une autre époque. Le montage d’Angel Heart, supervisé par Gerry Hambling (Fame, Mississippi Burning), est d’une efficacité redoutable. Le film alterne habilement les scènes d’enquête et les séquences d’horreur, créant un rythme qui est à la fois lent et oppressant, puis rapide et violent. La narration est un crescendo de terreur, où chaque nouvelle révélation est plus troublante que la précédente. Les transitions sont fluides, les scènes se fondent les unes dans les autres, comme dans un cauchemar. C’est un montage qui privilégie la construction de l’atmosphère sur la simple exposition, ce qui donne au film sa puissance et son caractère hypnotique. La bande-son, composée par Trevor Jones (Le Dernier des Mohicans, Dark Crystal) mélange le blues jazzy de la Nouvelle-Orléans avec des sonorités plus sombres et des thèmes électroniques, contribue à l’atmosphère poisseuse et mystérieuse.

Ce qui rend Angel Heart si unique, c’est sa capacité à fusionner deux genres en apparence inconciliables. Il est à la fois une enquête rationnelle, où le détective cherche des réponses logiques, et une histoire de damnation irrationnelle, où le personnage est la victime de forces surnaturelles. La force du film réside dans cette ambiguïté, dans le flou entre le réel et le surnaturel, qui nous fait douter, comme le personnage, de la nature de ce qu’il se passe. Le film est une réflexion sur la dualité de l’être humain, sur le bien et le mal, et sur le fait que parfois, la personne que nous cherchons n’est autre que nous-mêmes. Angel Heart est un voyage troublant, terrifiant et inoubliable, dans les recoins les plus sombres de l’âme humaine.

Ma Note : A