Blade II de Guillermo Del Toro est bien plus qu’une simple suite attendue : c’est une mutation. L’histoire du film Blade II, un monument du genre fantastique-action-horreur, est celle d’un choix de génie. Confier la réalisation à Guillermo del Toro n’était pas un pari, c’était une évidence. Qui d’autre aurait pu fusionner l’univers sombre et viscéral de Blade avec ses propres obsessions pour le gothique, le mécanique et l’organique ? Avec Blade II, del Toro transforme le mythe du chasseur de vampires en une fresque où le fantastique et l’horreur s’entrelacent dans une mise en scène virtuose. Son amour du grotesque et du baroque imprègne chaque cadre, donnant aux vampires une allure bestiale et inédite, tandis que son esthétique inspirée par les maîtres comme Frank Frazetta et Jack Kirby insuffle à l’univers une puissance visuelle saisissante. Mais au-delà de son style, Del Toro offre une approche audacieuse qui transcende le simple film d’action en une véritable plongée dans l’ADN du genre. Blade II repousse les limites du blockbuster pour embrasser pleinement une vision d’auteur, où l’imaginaire prend le pas sur les conventions hollywoodiennes.

La genèse du projet Blade II prend racine après le succès du premier film, sorti en 1998. Les responsables de New Line Cinema et de Marvel Enterprises envisagent une suite dès 1999. Le scénariste David S. Goyer, déjà à l’œuvre sur l’original, voulait explorer davantage la mythologie vampirique, notamment en introduisant des éléments plus terrifiants, plus biologiques, plus bestiaux. Lorsque le réalisateur du premier volet, Stephen Norrington, déclina l’offre de poursuivre, le studio se tourne vers Guillermo del Toro. À ce moment-là, il était déjà un cinéaste reconnu pour ses films fantastiques (notamment Cronos) et ses sensibilités visuelles fortes. Del Toro abordait le projet non comme un simple actioner, mais comme une opportunité de réinventer le vampire à l’écran. Il voulait que les vampires redeviennent effrayants, que leur mythologie ne soit pas seulement romantique ou ténébreuse à la mode gothique, mais qu’elle ait une couche d’horreur viscérale, d’inhumanité. Un élément clé dans le développement est l’introduction des Reapers, une mutation des vampires, une race « évoluée » — ou plutôt déformée — qui menace à la fois les humains et les vampires « classiques ». Ce concept permet de dépasser le duel classique entre Blade et les vampires, pour entrer dans un conflit interne, plus biologique, plus monstrueux. Del Toro évoque aussi ses désirs de s’inspirer non seulement du cinéma, mais des comics, du dessin animé japonais, des œuvres fantastiques et de la mythologie horrifique, pour donner à Blade II une densité rare.

Les influences de Blade II sont multiples, parfois contrastées, mais toujours judicieusement mélangées. D’une part, les comics. Non seulement le personnage de Blade vient de Marvel (créé par Marv Wolfman et Gene Colan), mais del Toro et Goyer ont tous deux une passion pour la bande dessinée. On y retrouve une esthétique de la case, des compositions dramatiques et des grotesques visuellement proches des œuvres de Jack Kirby ou de Mike Mignola (le créateur d’Hellboy que del Toro adaptera). Le cinéma fantastique gothique et d’horreur est une autre source évidente. On y devine l’influence des grands maîtres de l’horreur, des films de la Hammer, des récits gothiques, et même de motifs plus anciens, comme ceux du Vampyr de Carl Theodor Dreyer. Del Toro a lui-même déclaré vouloir que le film ait des touches de styles « comic book » et « animation japonaise », ce qui se perçoit dans le rythme et la dynamique des combats. Enfin, son esthétique personnelle, caractérisée par une tension entre l’organique et le mécanique, la chair et le métal, la lumière et l’ombre, imprègne chaque scène. Ses obsessions pour les monstres, la mutation et le corps transformé, déjà présentes dans ses œuvres antérieures (Cronos, Mimic), sont ici amplifiées dans le cadre d’un blockbuster.

La mise en scène de Blade II reflète une maîtrise déjà très aboutie chez GdT. La narration visuelle est travaillée, les choix de plans sont audacieux et l’alternance entre gros plans sur le corps, sur le sang et mouvements de caméra souligne la claustrophobie ou l’étendue selon les scènes. La direction des créatures, qui mêle effets pratiques (maquillage, prothèses) et effets numériques, est toujours au service de l’effroi et de la texture organique. Le design des Reapers est un triomphe en soi. L’usage de prothèses, de maquillage et d’effets animatroniques leur donne une présence physique réelle qui rend leur contact avec Blade ou avec les autres vampires réellement troublant. Leurs organes, leur mâchoire, la mutation de leur peau, tout cela est pensé comme un organisme hors-norme. L’usage du contraste lumière / obscurité et de la couleur est omniprésent : scènes nocturnes, néons froids, zones souterraines humides, lumière industrielle, effets de lumière UV, contrastes, bleus acier, rouges sombres, ambres, ombres portées… Tout cela participe non seulement à l’ambiance, mais aussi à la mise en relief des éléments monstrueux. Del Toro adore le métal, le cuir, le métal terni ou marqué par la rouille. La navigation entre scènes de combat très chorégraphiées, parfois presque des « ballets de violence », et moments plus contemplatifs ou d’horreur pure est d’une grande fluidité. Le cinéaste joue sur le souffle : explosions de violence alternent avec des séquences où l’horreur est lente, presque tactile. Enfin, la structure narrative mêle les arcs de Blade, ses dilemmes, ses alliances et ses combats intérieurs avec une simple chasse aux vampires. Il y a des enjeux biologiques (mutation, virus, infection), politiques (les vampires comme nation) et moraux (la nécessité d’alliances, la frontière entre l’ennemi et la coopération nécessaire). Cela enrichit la tension dramatique.

Blade II intervient à un moment pivot dans la carrière de Guillermo del Toro. Il avait déjà fait des films très personnels, mais Blade II lui a donné un terrain de jeu plus large, un budget plus conséquent et une audience plus populaire, tout en lui permettant d’insuffler sa marque personnelle. Après Blade II, il va continuer d’ explorer ses thèmes dans Hellboy (2004) et Le Labyrinthe de Pan (2006). Le film montre sa capacité à travailler dans le mainstream sans trahir ses obsessions visuelles et thématiques. C’est une de ses œuvres les plus éclatantes en termes d’hybridation entre culture populaire et vision d’auteur. David S. Goyer, déjà auteur du premier Blade, apporte sa compréhension du genre des comics, de l’action et du rythme. Il a collaboré avec del Toro pour donner au script une structure qui permet à la fois les scènes de spectacle et les moments horrifiques. Le film montre une écriture qui alterne les sursauts, tantôt oppressante, tantôt explosive, ce qui correspond au savoir-faire de Goyer qui navigue entre la mythologie super-héroïque, l’horreur et l’action.

L’un des grandes réussites de Blade II est sa conception artistique, dans laquelle chaque élément visuel semble avoir été pensé pour servir simultanément l’horreur et la mythologie. Les décors, signés Carol Spier (une collaboratrice de David Cronenberg), sont variés mais tous portent une marque : les nightclubs vampiriques, la House of Pain, les égouts, les repaires, les lieux de mutation, les intérieurs industriels, parfois baroques et souvent délabrés. On passe souvent d’un lieu très stylisé (club sombre avec néons, lumière artificielle) à l’organique pur (des membres de vampires, des entrailles, des béances). Ce contraste matériel nourrit l’horreur visuelle. Le design des costumes par Wendy Partridge est remarquable. Le costume de Blade lui-même évolue légèrement par rapport au premier film : manteaux longs, cuir, éléments métalliques, vestes matelassées, accent sur le noir mais avec des touches de rouge, des boucles, des textures et des usures. Souvent, les vampires classiques sont vêtus sobrement, mais les Reapers ou les personnages mutants ont des costumes qui suggèrent la mutation : peau, prothèses, altérations physiques, ornementations sombres, matières organiques ou mi-organiques. L’usage du rouge, du noir, de l’acier, du bleu acier et de l’ambre crée une palette riche, mais toujours dans le registre sombre. Les éclairages créent des ombres profondes, des reflets et des contrastes misérabilistes quand c’est nécessaire, mais toujours stylisés. Cela renforce le grotesque, le baroque et le malsain. Steve Johnson, pour les prothèses et le maquillage, donne une présence physique aux monstres. Les Reapers ne sont pas des CGI froids : ils ont une texture, une chair, des muscles et des organes. Cela ancre leur cauchemar dans le réel (ou du moins dans une illusion réaliste) et augmente l’impact.

Le montage de Peter Amundson (Hellboy, Pacific Rim) joue un rôle crucial. La durée du film lui laisse le temps de ne pas être un simple déchaînement d’action, mais de respirer — certes, très peu — entre les scènes de violence, de dialogue et d’horreur pure. Le film adopte un rythme soutenu : action, combats, découvertes, horreur, puis retour au calme (relatif), avant d’intensifier à nouveau. Ce va-et-vient empêche la saturation totale, mais permet aussi à certains moments horrifiques de mieux marquer les esprits. Il se permet aussi des scènes plus longues, des plans plus contemplatifs où l’on observe les mutations, le gore, la douleur. Ces moments contrastent avec les scènes de combat très rapides ou très chorégraphiées. Le montage accentue souvent l’horreur par coupe brutale, par contrepoints visuels (on passe de la chair douce à la chair brisée, de la lumière à l’obscurité, du calme à la dissonance), créant chez le spectateur une tension presque physique.

La bande-son de Blade II est un autre pilier de l’expérience, enrichissant l’immersion et renforçant le mélange d’action, de fantastique, de violence et d’ambiances gothiques. La musique originale est signée Marco Beltrami. En plus des compositions, la bande-son « inspirée par le film » réunit des artistes du hip-hop, de la musique électronique et de la techno. Ces morceaux interviennent surtout dans les clubs, les moments de tension urbaine, ce qui donne une énergie contemporaine, ancrée dans la culture populaire, qui contraste avec les éléments plus mythiques ou horrifiques. Les effets sonores sont aussi très travaillés : gloussements, bruits de chair, déchirements, gouttes de sang, échos dans les tunnels, grondements organiques, etc. La spatialisation, les silences et les ruptures de rythme sonore participent fortement à la peur et à la montée de l’horreur.

Le casting de Blade II est bien plus qu’une somme de têtes connues : chaque acteur contribue à bâtir l’inquiétude, le drame ou l’évolution du mythe. Wesley Snipes, physiquement imposant, capable autant de violence contenue que de moments d’intériorité. Il incarne Blade non pas comme un héros lumineux, mais comme une créature de l’ombre, entre le guerrier, le chasseur et le survivant. Sa constance (et sa compréhension du personnage) donne au film une ligne de stabilité dans ce cyclone visuel. Son expression, ses silences et ses regards traduisent la fatigue, la détermination et l’obsession. Luke Goss (Nomak) est une révélation en tant qu’antagoniste Reaper principal, il rend le monstre à la fois terrifiant et tragique, capable d’instiller des cauchemars chez le spectateur avec ses attaques viscérales et son évolution en meilleur adversaire que Blade ait affronté à l’écran. Il apporte une sauvagerie contrôlée, une bestialité mais aussi une colère, une douleur. Ses scènes ne sont pas seulement d’affrontement physique, mais d’affrontement idéologique : Nomak est l’autre face, monstrueuse, de ce que Blade pourrait devenir, ou ce qu’il combat. Cela fonctionne parce que Goss rend le monstre crédible. Ron Perlman (Reinhardt), acteur fétiche de del Toro et futur Hellboy, incarne le leader du Bloodpack. Perlman a ce charisme de vieux combattant, usé, capable de dire des choses en silence. Il ajoute de la nuance. Thomas Kretschmann, en Eli Damaskinos, le seigneur vampire élégamment inquiétant avec sa peau comme du marbre ancien poli, apporte une présence captivante et sophistiquée au grand antagoniste, mêlant trahison et autorité avec une subtilité qui élève les enjeux politiques du monde vampirique. Leonor Varela, Kris Kristofferson et Norman Reedus contribuent à donner des brèves parcelles de pathos, des moments de regret, d’alliance difficile, de tension morale. Kristofferson, reprenant son rôle de Whistler avec excellence, incarne un mentor badass et usé, renforçant la dynamique père-fils avec Blade et apportant une stabilité émotionnelle au chaos. Reedus, en Scud, le technicien arrogant et fumeur de cigarettes qui remplace temporairement Whistler, injecte une énergie jeune et irrévérencieuse, avant de révéler sa trahison qui ajoute une couche de tension morale et de surprise. Ces personnages ne sont pas simplement des figurants, ils existent, souffrent, trahissent, échouent — ce qui enrichit le film.

La narration de Blade II joue sur ses contrastes, adoptant une structure assez linéaire dans l’idée (apparition du danger Reaper → alliance forcée → développement du conflit → affrontement final). Mais à l’intérieur, on a des digressions : moments de découverte, auto-mutilation vampirique, politique vampirique, interrogations sur la nature du monstre. Le film explore les thèmes de mutation, de virus et du corps comme champ de bataille, mais aussi celui de la frontière morale entre l’allié et l’ennemi. Blade est obligé de faire alliance avec ceux en qui il n’a pas confiance — un motif classique du récit de genre, mais del Toro le traite avec authenticité (la méfiance, la trahison, le doute). Le thème du sacrifice et de la survie est omniprésent : la survie au prix de sa nature, la survie d’une espèce (les vampires), la survie de l’humanité contre une menace interne. Enfin, il y a un arrière-plan mythologique (la mythologie vampirique, la mutation, le passage à un niveau supérieur de danger) qui est enrichi sans être alourdi. On comprend la hiérarchie des vampires, les Lords vampiriques, la Nation vampirique, etc., mais jamais au détriment du spectacle.

Blade II occupe une place assez unique dans le genre super-héros / action / horreur / fantastique hybride. Par rapport à d’autres films de vampires, il ne se contente pas de la séduction, du romantisme ou de l’opéra gothique : il réintroduit l’horreur viscérale, le monstre comme corps, comme infection. Il pousse le vampirisme vers le corps rongé, vers la transformation, vers la peur de la chair. Contrairement à d’autres adaptations de comics, Blade II n’oublie pas que le comic book, ce n’est pas que des super-pouvoirs, mais aussi des récits de monstres, de mutation, de transformation, d’alliance instable. Il se place plus proche du style de comics sombres ou de récits graphiques que des gros films de cape et d’épée lustrés. On peut également le considérer comme l’une des œuvres charnières des débuts du XXIe siècle, où les films de super-héros commencent à explorer la noirceur, la moralité grise, le son, le sang, l’horreur — ouvrant la voie à ce que del Toro lui-même fera dans Hellboy, ou ce que d’autres tenteront dans d’autres franchises.

Blade II transcende le blockbuster. Del Toro ne se contente pas de livrer plus de bagarre et plus de vampires, il imprime un style personnel et unique qui fait sentir qu’on ne regarde pas juste un film d’action, mais une vision d’auteur. Le mélange du baroque, du grotesque et du mécanique organique rend chaque scène presque picturale. La création des Reapers est terrifiante, viscérale et nouvelle. Ils ne sont pas seulement des ennemis physiques, mais des incarnations d’une peur du parasite et du virus interne. Le corps devient un champ d’horreur. Cela renouvelle le mythe vampirique. La photographie et les décors sont d’une grande force visuelle. Les ambiances nocturnes, les contrastes lumineux et la texture des matières (cuir, métal, peau, blessures) donnent du poids au monde. Chaque décor compte : on ressent le lieu — un repaire, un club, un souterrain — comme un espace où l’horreur peut surgir. Les combats et l’action chorégraphiée sont inventifs, souvent brutaux, mais aussi lisibles. On ressent les coups, les entailles et les mouvements. Il y a une sensualité de la violence, mais elle est maîtrisée. L’équilibre entre fantastique, horreur et action est parfait. Le film ne bascule pas dans le gore gratuit ni dans l’artifice vide — l’horreur sert l’histoire, les personnages et le conflit. Blade doit faire des choix – humain versus vampire, guerre versus survie – et ces choix offrent de la profondeur. La bande sonore est un atout indéniable. Les morceaux modernes, électroniques, techno et hip-hop dans les moments urbains contrastent avec les thèmes orchestraux ou de tension. Cela permet au film d’être ancré dans le contemporain tout en flirtant avec le mythique.

Confier cette suite à Guillermo del Toro était du pur génie. Del Toro est un réalisateur dont les obsessions sont parfaitement alignées avec ce que Blade II réclame : créatures, mutation, horreur physique, esthétique du baroque, obsession pour le corps comme site de conflit et amour des détails grotesques. Tout cela est ici magnifié, non pas seulement comme un effet de style, mais comme un moteur narratif. Blade II ne cherche pas à plaire à tout prix à un public familier ; il assume ses excès, sa violence, sa laideur parfois, ses monstruosités. Il ne fait pas que montrer des vampires lustrés : il creuse la chair, le travail de mutation, la déformation. Le fantastique y est monstrueux, le baroque y est musical dans le rythme, les formes et la lumière. Les références à Frazetta et Jack Kirby ne sont pas seulement métaphoriques. On les voit dans la musculature exagérée, dans les compositions de corps, dans les ombres, dans les textures, dans la brutalité visuelle comme dans la férocité picturale. Frazetta dans ses créatures sauvages hyper physiques, Kirby dans ses formes monumentales, ses visions d’énergie et ses silhouettes imposantes — tout cela se retrouve dans la chorégraphie des monstres, dans les scènes finales, dans les profonds contre-jours, dans les plans où le monstre dévore ou émerge des ténèbres. Enfin, Blade II repousse les limites et embrasse une vision d’auteur, un mariage rare entre blockbuster (budget, effets, spectacle) et vision d’auteur (style, thèmes personnels). Ce n’est pas du cinéma d’exploitation pure, mais un film de genre élevé, qui sait exactement ce qu’il veut être.

Conclusion : Blade II est une des meilleures suites de super-héros de sa génération, voire de la décennie. Il parvient à réaliser ce que beaucoup d’adaptations de comics rêvent de faire : rester spectaculaire, divertissant, efficace en action, tout en étant une vision d’auteur qui assume ses monstres, ses textures, ses excès, qui porte le genre vers ses retranchements sanglants et visuels.

Ma Note : A