Après avoir revisité le film de home invasion avec l’excellent You’re Next (2011), le tandem Adam Wingard (réalisateur de Blair Witch, 2016 et Death Note, 2017) et son scénariste Simon Barrett revient avec ce cocktail des meilleurs éléments de la série B des années « VHS ». Cette œuvre s’inscrit dans la lignée de leurs précédents travaux tout en élargissant leur palette stylistique, nous plongeant dans un univers captivant où le suspense et l’action se mêlent habilement. L’idée même du film est née d’un double programme cinéphile : Wingard a regardé à la suite The Terminator de James Cameron et Halloween de John Carpenter. La collision de ces deux univers a généré le concept de départ, et The Guest porte indéniablement l’ADN de ces deux maîtres tout en construisant son identité propre. De son côté, Barrett travaillait sur une prémisse différente qu’il a finalement mise de côté pour fusionner sa vision avec celle de son complice. Le scénario fut bouclé en seulement huit semaines, lançant le tournage à l’été 2013 dans les paysages écrasés de soleil du Nouveau-Mexique. Dans une petite bourgade de l’Amérique profonde, la famille Peterson pleure la perte de leur fils Caleb, mort au combat. C’est alors qu’un mystérieux visiteur, David (interprété par Dan Stevens, ancien de Downton Abbey et Beauty and the Beast), se présente à leur porte comme ancien compagnon d’armes de leur fils. Ce dernier devient rapidement un locataire indispensable pour la famille éplorée : il aide le jeune Luke (Brendan Meyer, vu dans The OA) à se débarrasser des brutes qui le terrorisent au lycée, réconforte la mère inconsolable et se lie d’amitié avec le père. Pourtant, la jeune Anna (Maika Monroe vedette d’It Follows), intriguée, commence à suspecter que David n’est pas celui qu’il prétend être. Si l’histoire de l’imposteur qui envoûte une famille n’est pas nouvelle (pensons à Tartuffe de Molière ou à L’Ombre d’un doute de Hitchcock), elle fonctionne toujours à merveille. Pendant un moment, le spectateur espère que l’intrus est sincère. Après tout, qui ne voudrait pas d’un psychopathe domestique capable de résoudre tous leurs problèmes ? Cette ambivalence est particulièrement mise en avant dans la relation perverse entre David et la jeune Anna. Si l’histoire de l’imposteur qui envoûte une famille n’est pas nouvelle (pensons à Tartuffe de Molière ou à L’Ombre d’un doute d’Hitchcock), elle fonctionne toujours à merveille. Pendant un moment, le spectateur espère même que l’intrus est sincère. Après tout, qui ne voudrait pas d’un psychopathe domestique capable de résoudre tous ses problèmes ? Cette ambivalence est particulièrement palpable dans la relation perverse entre David et la jeune Anna. Derrière cette façade de thriller référencé, le film laisse entrevoir une lecture politique plus profonde, une réflexion sur la figure du soldat comme produit d’un système militarisé. David n’est pas qu’un personnage, il est une arme fabriquée par l’armée américaine, parfaite sur le papier mais inadaptée au monde civil qu’elle est censée protéger. C’est l’un des rares films de genre post-11 septembre à se déguiser en une nostalgie des années 80 pour mieux interroger les démons de l’Amérique contemporaine. Au cœur de cette mécanique, Dan Stevens livre une performance magnétique qui constitue l’axe central du film. Sa préparation fut totale : deux heures de sport et deux heures d’arts martiaux par jour, complétées par des séances au stand de tir. Cette discipline lui a conféré une immobilité, un calme et une façon de se tenir dans l’espace qui accentuent la nature surhumaine de son personnage. La transformation est aussi vocale : il adopte un accent du sud des États-Unis, grave et doux, à rebours des stéréotypes, qui rend sa présence de plus en plus inquiétante. Avec son sourire trop parfait et sa gestuelle millimétrée, il incarne une figure presque abstraite, capable de passer en un clin d’œil d’un charme irrésistible à une menace glaciale. Sa ressemblance frappante avec Michael Dudikoff, la star d’action des films Cannon, participe à l’hommage, mais avec un charisme et un talent que l’acteur d’American Ninja n’a jamais eus. Face à lui, Maika Monroe transmet habilement le mélange d’attraction et de répulsion que son personnage éprouve, jouant la méfiance adolescente avec un naturel total, sans jamais tomber dans la caricature. Elle apporte une dimension émotionnelle tangible qui ancre le spectateur dans ce récit volontairement minimaliste. Bien que les personnages secondaires soient des archétypes, ils sont incarnés par de solides seconds rôles. Joel David Moore (Avatar, 2009) et Leland Orser (Taken, 2008) endossent avec brio leurs partitions, tandis que Lance Reddick (connu pour Fringe et The Wire) cabotine avec plaisir dans un rôle évoquant le Colonel Trautman de Rambo (où les personnages de John P. Ryan pour les connaisseurs des productions Golan-Globus) livrant avec brio la tension d’un militaire qui a perdu le contrôle d’une situation qu’il pensait maîtriser. D’un point de vue stylistique, Wingard s’est imposé une contrainte : éviter ses tics habituels, comme la caméra à l’épaule, au profit d’une mise en scène plus stable et maîtrisée, en adéquation avec la nature de super-soldat de son protagoniste. Le résultat est d’une précision chirurgicale, attaquant dès le carton titre, dont la typographie à la John Carpenter frappe le spectateur. Le chef opérateur Robby Baumgartner — dont le parcours inclut des postes sur Léon de Luc Besson et There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson — signe ici un travail remarquable. La lumière écrasante du Nouveau-Mexique, loin d’être un obstacle, est intégrée à la partition visuelle : le soleil oppressif du jour dialogue avec la palette néon de la nuit. Les éclairages intentionnellement éblouissants sont nets, les noirs profonds et huileux. Cette palette découle directement du cadre narratif : l’action se déroulant juste avant Halloween, les couleurs orangées et les contrastes vifs se sont imposés naturellement, contrastant avec You’re Next où le rouge avait été délibérément banni. Wingard reproduit l’esthétique quelque peu télévisuelle des productions Cannon. La petite bourgade où se déroule l’action est typique des productions de cette époque, et à l’exception de quelques téléphones portables, rien n’indique que l’histoire se déroule à notre époque. Sa palette de couleurs — dominée par les bleus froids, les roses néon et les lumières artificielles — construit un univers à la fois familier et irréel. Lorsque le film bascule dans le slasher, il introduit une ambiance chromatique inspirée des giallos de Dario Argento (comme Suspiria, 1977 et Profondi Rosso, 1975).Malgré son budget limité, Wingard tire le meilleur parti de ses décors naturels, multipliant les travellings fluides à la steadicam tout en alternant avec des séquences nerveuses filmées caméra à la main. Sa connaissance des codes du genre lui permet de jouer habilement avec les attentes des spectateurs, maintenant la tension tout au long du film, ponctué d’éclats de violence (et d’un soupçon de gore). Sa mise en scène impressionne par sa rigueur et son sens du tempo. La première partie installe un climat presque clinique : cadres fixes, compositions épurées, menace diffuse. Puis, insensiblement, le film bascule vers une stylisation plus assumée, où la violence devient frontale et les décors eux-mêmes semblent contaminés par l’étrangeté du personnage principal. Ce glissement progressif constitue l’une des grandes forces du film. Mais réduire  à un simple exercice de style serait passer à côté de sa richesse. Derrière son vernis pop et nostalgique, le film s’inscrit dans une relecture contemporaine des archétypes du cinéma de genre. À la croisée du thriller paranoïaque, du slasher et du film d’action, il assume pleinement ses influences tout en les détournant avec une ironie discrète et une efficacité redoutable. La bande-son, enfin, est un élément crucial. Wingard ne voulait pas d’une simple imitation, mais d’une texture authentique. Il a découvert Steve Moore (du groupe Zombi), qui utilise exclusivement des instruments analogiques antérieurs à 1990. Mêlées à des chansons New Wave et à de la synthwave contemporaine, ses compositions angoissantes évoquent les tonalités de John Carpenter et les pulsations de la partition de Brad Fiedel pour The Terminator. Plus qu’un simple accompagnement, la musique agit comme un moteur narratif, amplifiant la tension et enveloppant le film d’une aura rétro parfaitement maîtrisée.

Conclusion :The Guest se dévoile comme un explosif remix du Terminator de Cameron (1984), saupoudré du style inimitable des Cannon Films. C’est une nouvelle triomphe du duo Adam Wingard / Simon Barrett, qui nous offre une œuvre où Dan Stevens brille interprétant un personnage à la fois complexe et envoûtant. Avec un mélange parfait d’hommage et d’originalité, ce film s’impose comme un incontournable pour les fans de cinéma de genre, démontrant que la série B peut rimer avec élégance et puissance narrative. Ne passez pas à côté de cette pépite à revoir absolument !

Ma note : A-